Duo Heda Van der Weyden : du fil à retordre

J'ai rencontré pas mal de soucis sur les étapes suivantes. Parfois l'on croit que la couche est assez sèche et que l'on peut poursuivre le travail... et puis on s’aperçoit rapidement que ça n'est pas le cas car la sous-couche s'en va avec celle que l'on pose. C'est ce qui m'est arrivé avec le Van der Weyden par exemple.

Sur le Heda, j'ai commencé à travailler les drapés. Il y a en fait deux tissus différents : celui de la nappe à gauche et celui de la "serviette" sur laquelle le petit pain est à demi posé. Ce sont deux textures un peu différentes. Cela m'a fait me souvenir que les serviettes d'autrefois étaient vraiment très grandes comparé aux mouchoirs de poche que l'on utilise aujourd'hui.

J'ai également assombri le bord de la table et commencé un premier glacis sur la zone de gauche, qui se voit peu sur la photo. Il me fallait éteindre un peu ce bel orangé.

  Pour le Van der Weyden, j'ai retravaillé la fiole en précisant un peu plus les ombres et transparances, en rééquilibrant aussi les valeurs pour faire "monter" les parties en lumière. J'ai retravaillé les deux fruits et éteint un peu les couleurs pour qu'ils soient plus discrets, comme semble l'avoir voulu le peintre. Le temps peu lumineux en ce moment n'a pas facilité la prise de vue et la photo n'est pas très fidèle. La partie sombre est moins noire et bouchée dans la réalité.

Par contre j'ai rencontré un gros soucis sur le fond lors du passage du glacis. Les pigments semblent s'être séparés pour faire de petits grains sur toute la surface. Cela m'est arrivé une fois sur un autre tableau et j'avais mis cela sur le compte de la poussière. Mais ici cela montre qu'elle n'est pas à  l'origine du problème.

Voici une photo rapprochée du phénomène :

Si quelqu'un l'a déjà rencontré ou sait ce qui peut le provoquer n'hésitez surtout pas à le partager ici dans les commentaires. Cela m'aidera et peut-être aussi d'autres apprentis peintres.

Les valeurs et couleurs étant tout en subtilité, j'ai fait un petit exercice pour faire le point et y voir plus clair.

 La même version en noir et blanc, pour les valeurs c'est plus parlant :

  On voit bien que mon travail ne tire pas assez vers les jaunes. Mais également que les valeurs sont à corriger aussi. Le fond est très trompeur car il semble beaucoup plus clair qu'il ne l'est en réalité. Et j'ai eu beau garder ce constat en tête... je suis malgré tout un tantinet trop clair pour la partie sombre et encore trop clair pour la partie en lumière. Van der Weyden est vraiment un peintre au regard et la technique très subtile. Ceci dit je pense quand même que le temps a ajouté sa pâte car avec les siècles qui nous séparent de cette création, l'huile a probablement jauni.

Les philosophes - réflexion

Un dessin à la sanguine, fusain et crayon blanc sur A3 inspiré par mon ami Séb. Merci au modèle.
La photo refroidit un peu l'original que j'irai scanner d'ici peu. Je mettrai le dessin à jour à cette occasion.

Daily painting sur le Japon

Je suis sur divers travaux assez délicats en ce moment. Un petit intermède récréatif de peinture dans le frais ça fait du bien. J'aimerai faire un travail sur l'Asie. Eh bien je crois que cela commence à prendre forme et le daily painting est une bonne technique pour commencer.

Voici un objet rituel qui se trouve dans un temple de Tokyo. C'est une sorte de grosse cloche. Un peu comme un bol tibétain géant. Evidemment ce travail est fait d'après photo personnelle puisque je suis rentrée depuis plusieurs mois déjà.

Heda & Van Der Weyden : cela se précise

Le pain est moins jaune dans la réalité mais, comme d'habitude, ce sont les péripéties de la photographie. Je n'ai pu qu'atténuer même après réglages informatiques.

J'ai précisé le pain brioché et continué à assombrir la table. J'ai également travaillé le drapé. C'était la première fois pour moi. Je pense qu'on aurait pu traiter les ombrages de ce dernier par glacis. J'ai préféré travailler tout dans le frais car il me semble que c'est cette option qu'a choisi Heda. J'ai aussi fait le choix d'essayer de reproduire une forme un peu étrange présente à droite du pain. J'ignore se qu'a voulu représenter le peintre. Cela n'est pas du tout un pli crédible, cela ressemble plus à une figure de style, une sorte de maniérisme de la part du peintre. Je ne sais pas encore si je la laisse ou si je l'élimine.

Sur l'original, la lumière est un peu plus douce et le sujet moins contrasté. J'ai naturellement fait des ombrages un peu plus sombres et des clairs un peu plus clairs... c'est un choix personnel qui s'est fait naturellement. En effet, ici ce que l'on voit est le sujet principal du tableau et le contraste lui donne plus de présence. Ce n'est pas du tout le cas dans le tableau de Heda où l'attention est portée ailleurs. Ceci dit ce contraste fait perdre un peu de subtilités dans les drapés ce qui le rend peut-être un tantinet plus "rigide" que sur l'original.

 

 Un tout autre travail et d'autres difficultés aussi sur le Van der Weyden. J'ai reprécisé le flacon, l'ombre et les fruits. Placé la lumière sur l'arrête de l'étagère. C'est un travail très subtil et en légèreté avec des couches très fines de peinture. Avec une gestion de la gamme colorée que je trouve assez difficile. Mais ce qui est amusant c'est qu'en fait j'ai utilisé à peu près la même palette de couleurs sur ces deux tableaux... c'est étonnant comme c'est pourtant très différent au niveau ambiance colorée, lumière etc.

 

Démonstration au salon de l'artisanat

Dimanche dernier j'ai participé au salon de l'artisanat de mon petit village. J'ai découvert tout un microcosme jusque là inconnu. L'ambiance entre les stands était très chaleureuse et le voisinage plutôt amusant. J'étais placée entre un producteur vendeur d'aïl et d'oignons et une couturière qui faisait des sacs à doudous, des doudous, tabliers etc. En face de moi des bijoux faits main par deux jeunes femmes et des tableaux en papier découpé.

J'ai du travail en retard et j'en ai profité pour faire une démonstration. Tenir un stand toute la journée c'est long, autant optimiser. Le public a bien rit sur le sujet choisi. Certains ont même plaisanté à propos du singe en disant que c'était le portrait craché de leur ami présent. Certains sont venu voir plusieurs fois la progression et c'est amusant de voir que plus le travail avance, plus les gens apprécient et plus ils y a des interactions avec eux.  

Tous ont été convaincus par mon travail et ont trouvé tout très beau... mais personne n'a acheté, même les petits prix. Snif. Espérons que ceux qui ont pris une carte de visite reviendront me voir par la suite.

Voici quelques photos, juste pour prouver à Stéph qui joue les modèles, et que l'animateur a pris pour Wesley Snipes (ok d'accord il y a peut-être un faux air...), que j'avance bien sur ce projet.

 

Je terminerai en disant qu'il y a un bel esprit d'entraide entre les exposants et que cela fait du bien. Ma caisse à roulette ne roulait pas bien du tout en repartant... et une dame déjà chargée avec un diable m'a proposé de me la rapprocher jusqu'à ma voiture ! 

Et je suis rentrée chez moi avec un à deux sujets à travailler : une belle tresse d'aïl et une autre d'oignons avec de superbes reflets.

Exposition à Toulouse et Albi

Je suis actuellement sur deux expositions : le salon d'automne d'Albi qui a accepté mes deux oeuvres même si elles étaient en-dessous de leur standard minimum, à savoir 50 cm.

Décidément beaucoup d'expo plébiscitent les grands formats et boudent les petits.

Je vous invite à aller voir ce salon qui est vraiment d'une très très belle qualité ! A part pour la sculpture je dois avouer quand même que les prix décernées me laissent songeuse et je ne comprends pas les choix qui ont été faits surtout en présence d'oeuvres de bien meilleure qualité... en tout cas à mon goût. Mais mes goûts sont tout sauf "tendance".

Je suis également exposée à la Galerie de l'Echarpe à Toulouse pour le salon Garonn'arts.

L'une de mes oeuvres est même sur l'affiche !

C'est la première fois que mes œuvres bénéficient d'une aussi jolie mise en valeur ! Elle sont vraiment présentées de manière professionnelle et attrayante. Qui plus est elles voisinent avec de bien belles sculptures ! Et j'aime bien l'esprit intime qui est donné ici qui en respecte l'état d'esprit.

Le tandem Heda et Van der Weyden : le fond

Voici la suite de ce projet en attaquant véritablement l'huile. Je teste deux recettes différentes. Le rendu est déjà différent même si les photos n'en rendent peut-être pas assez compte. En effet, la texture de la "pâte" n'est pas la même.

Allez voici le travail en cours :

Dolce vita : Wa !

Je suis en pleine période de "Wa" en ce moment.   C'est un kanji japonais désignant un rond, un cercle, une boucle, un maillon. Mais il recèle également toute une philosophie et se rapporte à la notion d'harmonie. Harmonie dans ce que l'on crée, harmonie avec soi-même mais aussi dans notre relation au monde environnant, avec les autres. L'idée étant d'agir de manière à ce qu'une fluidité s'installe que ça "tourne" et donc d'agir en conséquence pour la préserver, de ne pas briser le lien, le cercle. C'est un concept que j'ai beaucoup ressenti au cours de mon voyage au Japon en mars dernier. Évidemment le scandale de Fukushima, le consumérisme effréné etc. montrent bien qu'il y a parfois des contradictions dans une même culture, dans un même être humain. Mais néanmoins je trouve ce concept très intéressant.

Mais diantre, que vient faire le Japon et ses wa avec mon tableau intitulé Dolce Vita me direz-vous ?! D'une part, je crois que certains concepts sont universels ou gagneraient à l'être. Ensuite, j'aime bien faire des ponts, des liens (donc des wa) entre des choses qui semblent en apparence très éloignées : la dolce vita, et l'ambiance de ce tableau ne traite-t-elle pas d'harmonie ?  Et enfin cela résume vraiment très bien là où j'en suis.

En effet, un gros travail m'attend pour boucler les boucles encore restées ouvertes, toutes ces choses restées inachevées et qui nécessitent de l'être... pour plus d'harmonie avec soi-même mais aussi avec le monde extérieur.

Alors afin de boucler une première boucle, de me poser et prendre le temps... je me re-posée une dernière fois dans l'ambiance de ce tableau pour le terminer.

Voici le résultat :

Et comme ce travail a été relativement long, voici un petit cadeau inattendu qui je l'espère vous plaira... une petite rétrospective des étapes et de l'avancée de cette peinture. Je trouvais cela à la fois intéressant et amusant à faire... et puis c'est encore un Wa puisque cela tourne en boucle !

D'autres wa m'appellent... j'y cours j'y vole...

Willelm Claezoon Heda et Van der Weyden : ébauche à l'huile

Après l'imprimatura et le report du dessin, j'ai réalisé une première ébauche à l'huile. Il existe tout un tas de techniques pour cela. En grisalle, en tons de bruns, etc. ou comme ici en couleur.

Voici donc l'ébauche du Heda :

 Là aussi j'ai dû faire des choix et je n'ai pas peint la partie gauche de la nappe mais plutôt la table. En effet, il me semble sur la peinture d'origine que cette partie est constituée d'une seule couche transparente réalisée à la fin.

Voilà l'ébauche du Van Der Weyden :

On voit en bas comment le vert en couche de fond influence la couleur. Le travail de ce peintre est vraiment différent du premier. Ses couches me semblent très fines et très lissées alors que le premier comporte d'avantage d’empattements. Le fait de les travailler en parallèle et du coup d'autant plus intéressant !

L'ambiance lumineuse est déjà bien différente sur ces deux travaux.

Willelm Claezoon Heda et Van der Weyden : l'imprimatura

Des choix encore des choix. Après celui de conserver ou non l'intégralité de la composition d'origine, vient celui de la couche de fond, celle qui donne sa "vibration", le "climat", l'ambiance générale au tableau par un subtil jeu de transparences.

Cette couche maigre ou imprimatura devait exister sur ces deux tableaux. Cependant, il n'est pas possible de voir la "stratigraphie" (je reprends ici un terme d'archéologie) du tableau, c'est à dire la succession de toutes les différentes superpositions de couches de peinture à  l'oeil nu. On peut ressentir, deviner et parfois en distinguer certaines de ces couches seulement. Cela fait, à mon sens partie de l'apprentissage de la "lecture" du tableau et utile à sa compréhension.

Voici la définition d'imprimatura : http://fr.wikipedia.org/wiki/Imprimeure

Selon les époques elle était verte, ocre, puis grise, c'est à dire d'un ton plus neutre.

Pour l'oeuvre d'Heda, l'ambiance chaude du tableau me semble nécessiter un ton ocre. Le peintre nous a laissé un petit indice...Voyez plutôt :

 

Je le répète, il s'agit là de ma lecture personnelle. Je ne peux pas affirmer que cette sous couche ocre que l'on voit ici soit effectivement l'imprimatura. Notez qu'elle paraît bien plus sombre, par effet d'optique, sur du blanc que dans le tableau. 

Il se peut aussi que ce soit une couche de peinture encore au-dessus de cette dernière. Pour en juger, pouvoir observer de plus près le tableau pour en examiner toutes les zones en détails seraient un plus. Mais je suis trop loin du musée d'Ixelles pour cela.

J'ai donc reporté mon dessin sur une couche ocre mais un peu plus lumineuse et orangée :

L'ambiance du tableau de Van der Weyden est plus froide. Ce qui permet de faire ressortir d'avantage les deux fruits. 

Une grenade à gauche, symbole de l'immortalité et... j'ai pensé au départ que c'était un oignon... mais il s'agit plus probablement d'une orange, comme me l'a fait remarquer Réjane. En effet, l'orange est un symbole nuptial (les mariées portaient une couronne d'oranger sur la tête), l'un des attributs de Marie, également symbole de fécondité et faisant référence à la nouvelle Eve. Là aussi, ces objets étant en réalité une toute petite partie d'un grand ensemble, les fruits sont juste évoqués et peu travaillés. Si l'on ajoute l'usure du temps sur la peinture, tout cela nous le rend plus difficile à comprendre. D'autant plus qu'à cette époque tous ces aspects symboliques étaient clairs et connus de tous, ce qui n'est plus le cas aujourd'hui.

Pour ceux qui veulent en savoir plus sur la symbolique dans les vanités, la nature morte (art profane) et l'art sacré... : je vous propose de lire ce document 

ou encore d'aller visiter cette page.

Je me demande ce qu'auraient représenté ces peintres dans leurs natures mortes aujourd'hui comme thème de la vanité ? Enfin j'ai ma petite idée...

J'ai extrait un petit échantillon d'une zone du tableau indiquée par la flèche. Comme pour le tableau précédent. Ici il ne peut s'agir de l'imprimatura mais en isolant ce petit morceau du fond du tableau on voit bien que la tonalité est plutôt dans les verts une fois isolée sur du blanc.

J'ai donc pris le parti de faire une couche d'impression verte mais en faisant attention à l'atténuer quelque peu, puis d'y reporter mon dessin :

Je sais qu'il peut paraître pourtant encore assez vif. Mais les couches suivantes vont encore l'atténuer et plus il y en aura plus cela devrait être le cas. Il faut donc tenir compte de cet aspect à mon avis. Nous verrons bien si ce choix a été judicieux, ou du moins ce qu'il a produit une fois l’œuvre terminée.

Copie ou interprétation de maîtres : l'étape du croquis

Je vous livre ici, comme promis, ma démarche et mes choix concernant la première étape de mon travail pour aborder ces copies ainsi que ma compréhension et ma "lecture" de ces œuvres. Je pense que cela peut aider l'amateur d'art tout autant que les artistes en herbe à davantage les comprendre et les apprécier .

J'ai d'abord fait quelques croquis sous forme de vignette pour commencer à m'approprier le sujet.

Voici celle que j'ai réalisée pour le tableau de Willem Claezoon Heda. J'ai décidé que je ne représenterai pas les poires ni l'assiette en haut. En effet, cela allège la composition et leurs formes étant tronquées, j'estime qu'elles ne sont plus très compréhensibles. On gagne ainsi en clarté. Ça respire.

Première constatation... Il faut décider soit de faire une copie "fidèle" c'est à dire respecter à la lettre ce que l'on voit ; soit faire une copie "interprétée" pour améliorer un peu ce qui semble devoir l'être. Cela reste, bien sûr, subjectif. Le fait de choisir de représenter un détail seulement et non pas l’œuvre dans son ensemble oblige, je crois, à repenser un peu les choses pour retrouver un équilibre général dans le tableau. C'est en tout cas le parti pris que j'ai choisi.

Ce croquis m'a ainsi permis de vérifier mes choix de composition et d'aborder les grandes masses de valeur.

Ici rien à changer, cela a beau être une partie d'un tableau plus grand et fourni, l'ensemble me paraît équilibré et harmonieux, les formes se lisent très bien ainsi. Par contre une grosse erreur de ma part sur l'inclinaison de l'étagère que je vais corriger sur le tableau.

A suivre...

Le salon d'automne de Colomiers

J'ai eu la chance de pouvoir exposer au Salon d'automne de Colomiers. Il s'est terminé dimanche dernier.

J'ai été interviewé au micro par l'un des organisateurs, comme d'autres artistes durant l'après-midi. C'était une première. Même si je trouve que c'est une bonne idée, cela faisait un peu trop animation de supermarché. Mais ils manquent d'expérience espérons qu'ils amélioreront la formule l'an prochain.

J'ai pu rencontrer plusieurs artistes, toujours très sympathiques, et voir de belles choses. Un sculpteur notamment et un "inclassable" qui travaille sur ordinateur. Ce dernier m'a même fait cadeau de deux reproductions de ses œuvres.

Voici leurs sites :
Georges Frank de Cuzey
http://damartiste.blogspot.fr/

Concernant mes œuvres à moi, je constate que beaucoup d'expositions refusent les petits formats. Pas de chance pour moi. Quand ils les acceptent, comme ici au Salon de Colomiers, ils ne sont pas toujours bien mis en valeur. En effet, ils sont un peu perdus au milieu de très grands formats qui semblent être plus à la mode. Et l’accrochage et l'éclairage laisse à désirer. Mes tableaux ont été placés à la verticale. Je pense qu'une mise en place horizontale à hauteur des yeux aurait été plus heureuse. En effet, il fallait se baisser pour pouvoir voir les détails sur le dernier tableau. Quant aux gants de boxe, ils étaient trop proches de la source de l'éclairage et il y avait trop de reflets. Les tableaux étaient de guingois. C'est dommage.

Enfin le public ne respecte pas toujours les peintures : j'ai vu une vieille dame qui grattait carrément une toile (ouf pas la mienne), remuait le cadre etc. Je comprends mieux certains gardiens de musée un peu parano quand on s'approche des œuvres.

C'était tout de même un beau salon, assez axé art contemporain. Je le recommande à ceux qui ne le connaissent pas. L'un des rares qui organise aussi des animations et propose des visites en nocturne.

L'enfance, paradis de l'instant a droit à un article !

Aujourd'hui même est paru un article dans La Dépêche Du Midi sur mon exposition personnelle. Je remercie le journaliste pour l'intérêt qu'il a porté à cet événement. Je le remercie aussi pour sa gentillesse et d'être passé nous voir lors du vernissage.

Rédiger un communiqué de presse fait partie des choses que j'aurai apprises grâce au montage de cette exposition.

Voici l'article (cliquez dessus pour le lire) :

L'enfance, paradis de l'instant : ma première expo personnelle thématique !

Depuis mercredi 1er octobre et jusqu'au 29 octobre a lieu ma première exposition personnelle. Elle est accueillie par la petite médiathèque de Montbeton. Les bénévoles chargés de la gestion de celle-ci et les élus de la ville ont vraiment été adorables, se sont enthousiasmés et ont soutenu ce projet.

J'ai beaucoup appris et cela a été un gros travail. J'ai même dû finir deux encadrements quelques heures à peine avant l'accrochage car les cadres commandés à l'origine ne sont pas arrivés.

A chaque tableau j'ai associé une citation d'auteur sur le thème de l'enfance. De platon, à Nietsche, Maria Montessori etc. Je trouvais intéressant, dans ce lieu dédié au livre, que littérature et art graphique se répondent.

Le vernissage a eu lieu hier. Un beau moment d'échange avec les visiteurs.

Voici l'affiche officielle :

Et une petite photo de l'expo :

Ambitieux double projet de copies : Heda et Van der Weyden

Pour ce projet le chiffre deux est à l'honneur : deux copies, deux peintres illustres, deux flamands et deux apprenties peintres/copistes.

Une belle amitié artistique nous réunit Réjane et moi. Aussi nous avons décidé de tenter un projet commun et de nous associer pour un défi copie. Il s'agit de copier deux détails d'oeuvres de peintres que nous aimons.

Chacune a choisi son extrait d’œuvre. Et nous allons, chacune en parallèle, tenter la copie de ces deux morceaux. Nous avons également décidé de partager, chacune sur son blog, cette expérience avec vous.

Nous n'allons pas nécessairement utiliser les mêmes techniques, les mêmes produits etc. Nous ne nous concerterons pas toujours non plus. Ainsi, par exemple, chacune choisira sa palette etc. Nous pourrons ainsi partager avec vous à la fois 4 expériences et leurs résultats. Cela promet d'être enrichissant !

Roulement de tambour... voici les œuvres choisies :

Réjane a choisi  ce détail de "L'Annonciation" de Van der Weyden présente au Musée du Louvre.

L’œuvre dans son entier peut être par exemple vue ici

J'ai choisi cette succulente brioche de Willem Claeszoon Heda dont j'ai pu voir le tableau et faire la photo ci-dessous au musée d'Ixelles à Bruxelles. Pour celles et ceux qui veulent s'y rendre : Musée d'Ixelles

 Voici l’œuvre dont ce détail est tiré :

 La copie, c'est tout nouveau pour moi... j'avoue que j'ai un trac fou ! Mais je suis sûre que je vais apprendre des tas de choses passionnantes grâce à ce projet.

Vos avis et commentaires seront appréciés tout au long du parcours.

Début des expos : Salon de Sorèze

C'est le début de la saison pour les expositions. Je participe au Salon d'automne de Sorèze dans le Tarn (81). C'est un très beau petit village et un très beau lieu d'exposition.

Voici mes 3 oeuvres choisies par le Jury du salon :

 

Et une vue un peu plus globale du contexte :

Le salon se déroule jusqu'au 27 septembre prochain. Il y a de belles choses tant en dessin, peinture qu'en sculpture aussi, si vous êtes dans les parages n'hésitez pas à le visiter, l'entrée est gratuite.

Ce salon fut l'occasion pour moi de faire de belles rencontres artistiques et humaines.

D'autres expositions m'attendent... mon agenda est rempli jusqu'au mois de décembre ! J'en reparlerai ici.

Daily painting : Réconfort

Et voilà ma seconde idée mise en œuvre. J'aimais bien l'idée de ne pas aller jusque sur les bords et de dresser une ambiance un peu inachevée.

Daily painting : Le cadeau

Et voilà la peinture alla prima d'aujourd'hui ! Le tout pour agrémenter encore la future exposition sur l'enfance. J'aime ce petit côté magique et facétieux de l'enfance qui prête vie aux objets.

Je l'ai réalisé en 3h, si je ne compte pas la réflexion et mise en place du sujet. Je trouve que je gagne en rapidité et aisance même si chaque sujet comporte ses défis et difficultés.

J'ai eu l'idée d'un autre sujet sur ce thème... mise en œuvre prévue demain. Il me restera, à priori, un dessin qu'il me tient à cœur de réaliser. Et ensuite je passerai à la phase encadrement et préparation de la communication etc.

daily painting : seau et pelle

Une petite peinture alla prima pour changer un peu de la peinture ancienne. Toujours sur le thème de l'enfance en prévision de l'exposition.

Souvenirs d'enfance : point final !

Le voilà terminé. Je pourrais peut-être encore trouver à redire ici ou là mais il faut savoir poser le pinceau et passer à autre chose.

Il n'y a plus qu'à attendre qu'il sèche un peu avant de passer une couche de vernis à retoucher pour le protéger.

Souvenirs d'enfance... la suite

Je crois avoir trouvé le titre de mon tableau... c'est toujours quelque chose de délicat.

La planche de bois est précisée. Les jantes de la petite formule 1 sont toutes neuves et une petite calligraphie vient orner le ruban.

Il reste encore quelques retouches. Le challenge étant de le finir cette semaine pour pouvoir l'exposer début octobre sans trop de risques.

La Bonbonnière se pomponne pour l'expo

Allez voici ce qu'a donné le travail d'aujourd'hui :

Il y a un peu trop de bleu violacé par rapport à l'original mais l'ambiance générale est assez fidèle.

J'ai retravailler à peu près partout où c'était possible. Il va donc me falloir attendre au moins une semaine que cela sèche.

Les couleurs ne sèchent pas toutes à la même vitesse. Avec un peu de chance je pourrai retravailler la planche avant car les bruns et ocres sont, en principe, moins long à sécher. Disons, rendez-vous sous 4 à 5 jours...

Bonbonnière à l'huile en route pour une expo !

Eh oui la médiathèque de ma petite ville de Montbeton m'a confirmé l'exposition personnelle sur le thème de l'enfance pour début octobre. Le projet est donc sur les rails. J'ai à coeur que ce tableau soit terminé pour en faire partie.

Aujourd'hui donc les roues sont regonflées à bloc, les billes précisées, quelques retouches sur la bonbonnière et l'environnement.

Suite du travail dans les prochains jours car pour éviter qu'il soit endommagé durant l'expo il faut que ce tableau soit assez sec et que je pose mon pinceau au moins 3 semaines avant. Il ne m'en reste donc également que 3 pour le terminer. Sacré challenge !

Et voici l'avancée des travaux, des retouches à prévoir sur la voiture mais je crois qu'elle peut déjà entrer dans la course.

Le blog vient de fêter ses 3 ans !

Je viens tout juste de réaliser que depuis le 6 août dernier, mon blog a 3 ans d'existence !

Pour fêter ça, je vous propose un petit récapitulatif des articles les plus lus et les plus appréciés. Je me pose d'ailleurs une question à ce sujet. Les plus lus ne sont pas nécessairement ceux qui ont reçus des +1 via google+. Pourtant s'ils ont été très fréquentés c'est qu'ils ont été appréciés non ?

Voici donc le top 5 des articles les plus lus :

1-  La manière de Rubens
Celui-là a été le plus apprécié mais également le plus commenté ! Comme quoi je ne suis pas la seule à aimer Rubens dessinateur.

2- Hachures
Ce n'est pas le seul article qui concerne les hachures mais c'est celui-ci qui a le plus attiré votre attention. Je ne dois pas être la seule à qui les techniques de hachurage posent question.

3- Crayons de couleur : le retour
Amusant que ce soit celui-ci, un vieil article qui arrive en 3e position. Mais il est vrai que c'est un médium si utilisé jusqu'au primaire, oublié ensuite et pourtant plein de surprises et de subtilités !

4- L'état de Wu : le dessin, une méditation
Alors là je suis quand même très contente de voir que cet article vous a tant plu. Même Rembrandt aimait à s'asseoir et dessiner devant les paysages pour méditer et se délasser. Mais pour moi la pratique de la peinture est une méditation encore plus profonde et puissante que le dessin.

5- Démonstration de dessin à la sanguine
Eh oui c'est tellement mimi les bébés qui dorment. Un peu de douceur dans un monde de brutes, cela fait du bien.


Voici le top 4 des articles que vous avez le plus aimé :

 En fait pour la plupart je crois que c'est surtout les œuvres qu'ils contiennent que vous avez plébiscité. Notamment celles issues du daily painting.

1- La petite star des chaussures
C'est l'humour qui l'emporte sans conteste ! Promis je recommencerai.

2- La religieuse
Là c'est la gourmandise qui parle !

3-Le hamburger
Je ne sais pas si c'est toujours la gourmandise... mais j'aime moi aussi ce tableau.

4- L'étagère de livres
    La fraise prétentieuse
    Ma première expo personnelle

J'en profite pour signaler qu'une nouvelle exposition personnelle est en pourparlers avec la médiathèque de ma petite ville : Montbeton (82). A priori sur le thème de l'enfance. Je vous en reparlerai probablement.

Cet article est aussi l'occasion de remercier celles et ceux, connus ou inconnus, en France ou ailleurs, artistes ou pas, qui ont suivi mon travail et m'ont soutenue depuis ces trois ans.

Souvenir d'enfance : la bonbonnière

De retour de stage de peinture ancienne, un rapide article pour partager ce travail en cours sur un thème qui m'est cher : celui de l'enfance.

Une semaine c'est court pour tester certaines choses à fond, notamment les glacis. Il y a donc encore du travail sur ce tableau.

Mais j'ai néanmoins pu tester une sous-couche en grisaille. Ainsi qu'un exercice avec les couleurs complémentaires. Les deux sont une bonne gymnastique mentale et visuelle. C'était donc un stage très intéressant et enrichissant, comme d'habitude.

Voici le tableau tel qu'il est... à suivre donc :

Acheter ou commander du Stormy Faery's Art

Un petit peu de publicité de temps en temps ne fait pas de mal. Nous les artistes en avons bien besoin... ah s'il suffisait de vivre de pinceaux, de tubes de peintures et d'eau fraîche...
 
Ainsi j'ai une bonne nouvelle pour celles et ceux qui aiment mon travail et souhaiteraient le soutenir en achetant des œuvres ou en passant commande :

Vous pouvez désormais en trouver directement ici sur ma petite boutique

Et si vous ne trouvez pas celle que vous souhaitez ou préférez commander une oeuvre sur un thème qui vous est cher, ou un portrait, passer à l'atelier, être informé de mes futures expos etc. rendez-vous sur : mon site pro

Vous pouvez aussi demander à faire partie de ma liste de diffusion pour recevoir les dernières infos ou pour tout autre renseignement et me contacter directement

Les 12 compétences essentielles que chaque artiste devrait maîtriser

J'ai trouvé cette vidéo tellement intéressante et éclairante pour savoir où l'on en est que je traduis ici les 12 points. A chacun de voir lesquels il maîtrise déjà... et ceux qu'il lui reste à travailler. Cela permet aussi dans le même temps de voir quelles sont nos forces et nos faiblesses.

La vidéo d'origine est ici : https://www.youtube.com/watch?v=bwRXcshj7bs

Voici les 12 points que Vladimir London, son auteur, développe :

 1- Dessiner de manière réaliste à la fois ce que l'on voit mais aussi pense, ou imagine

 2- Etre capable de faire des dessins de construction : dessiner les angles, les axes etc., dessiner les objets comme s'ils étaient transparents. Dessiner ce que l'on sait et non pas seulement ce que l'on voit.

3- Etre capable de dessiner d'après nature

4- Dessiner de mémoire ou d'imagination :  cela nécessite de bien connaître et avoir compris les règles de construction du corps humain etc.

5- Avoir des connaissances sur le matériel beaux arts et ses possibilités : cela inclus de savoir surtout bien l'utiliser (tenir un crayon correctement etc.)

6- Connaître les règles de la perspective

7- Connaître la règle du nombre d'or appliquée aux proportions

8- Maîtriser la composition : cela inclus

• les formes et leurs proportions, 
• l'orientation, l'équilibre et l'harmonie des éléments visuels
• les contrastes et valeurs tonales
• le rythme
• la perspective
• la symétrie
• la simplification
• le point focal

Cela implique aussi d'utiliser plusieurs règles :

• la règle du nombre d'or
• la règle des tiers
• les règles du cadrage
• les règles pour guider le regard du spectateur
• les règles de symétrie

9-Connaître les proportions de la tête, du visage et du corps humain

10- Connaître l'anatomie du corps humain

11-Comprendre et utiliser les techniques pour rentre les valeurs : cela inclus de maîtriser les différentes techniques de hachurage etc.


12- Maîtriser la théorie des couleurs et les techniques pour travailler en couleur

L'auteur considère que ce sont les 12 compétences basiques à maîtriser pour s'exprimer pleinement sur le plan artistique. Cela signifie donc qu'on peut en ajouter d'autres mais que ces dernières constituent la base.

Je ne sais pas vous mais pour moi il y a encore du travail sur certains points. Cela tombe bien je vais avoir un peu plus de temps pour travailler à partir de la rentrée ! Avec cette liste au moins si l'on s'ennuie ou manque d'idée... il suffit de la regarder de temps en temps et de travailler sur un point faible. Et tout de suite on sait quoi faire... c'est magique !

Dolce Vita : suite

Un peu de temps pour continuer ce tableau une fois le concours terminé. Il reste encore à faire mais la fin approche !

Je n'avance pas très vite sur celui-ci et de manière générale en peinture ancienne. J'ai souvent besoin de pauses, qui me servent à observer et réfléchir aux prochains coups un peu comme pour une partie d'échec. Enfin ce que j'imagine être une partie d'échec car je n'y joue pas.

Il me semble que la peinture ancienne nécessite un peu de stratégie, comme aux échecs, et qu'il faut penser plusieurs coups (ou plutôt couches) à l'avance.

J'aime cela car cela développe une forme d'imaginaire. Ainsi quand je regarde mon tableau en cours... ce que je vois c'est le tableau futur. Alors que quand quelqu'un autour de moi le regarde, il ne voit que ce qui est déjà là et le considère souvent terminé. Moi je vois ce qu'il y a à ajouter pour qu'il soit encore meilleur. Et j'aime bien sentir cet écart... et voir la surprise de la personne qui le redécouvre magnifié.

Le tout est bien sûr de savoir s'arrêter. Pour le savoir je crois qu'il suffit de voir si ajouter va améliorer, magnifier l'oeuvre ou si au contraire cela va lui faire perdre quelque chose.

Concours daily painting : petit bilan personnel

C'est toujours intéressant de faire le point sur une telle aventure... et cela fait patienter en attendant les résultats.

Ce que j'ai appris :

- à gérer les changements de format. Je n'avais jamais travaillé sur format carré et cela me faisait un peu peur au début. Passer de l'un à l'autre est une vrai gymnastique mentale côté composition. C'est intéressant.

- que je n'aime vraiment, vraiment pas peindre directement sur le gesso. Notamment parce que je trouve que la peinture accroche mal. Je préfère passer une sous-couche d'acrylique de couleur parce qu'il y a une meilleur accroche de la peinture mais aussi cela permet de jouer avec... ou pas en fonction du sujet.

- à vraiment ressentir la texture parfois très différente qui sort du tube et à le gérer. Idem pour l'opacité et la transparence des teintes.

- j'ai aussi l'impression d'avoir découvert tout un monde nouveau et plein de subtilités dans la déclinaison des gris à travers les mélanges. C'est à dire décliner les couleurs en valeurs de gris. (je ne sais pas si c'est clair)

- la différence et les possibilités d'utilisation du blanc de zinc et du titane. Avant je n'utilisait que le titane.

- à prendre la mesure de la rapidité (relative) de séchage de certaines teintes et commencer à jouer avec ça, notamment pour les fonds.

- à oser partir à l'aventure et vraiment jouer avec un sujet imposé, être à l'écoute de ce que les objets ont à raconter comme histoire, laisser germer des idées de composition etc. Accepter de se laisser surprendre et rebondir, à la fois en découvrant le sujet mais aussi en partant à la recherche des objets etc. Bref développer ma créativité à l'intérieur d'un cadre.

- à trouver comment m'exprimer pleinement, librement, à dire quelque chose qui n'appartient qu'à moi ou à ma façon, à accepter de le laisser sortir et ce malgré (ou grâce) à un cadre imposé.

- à trouver un processus, une organisation de travail efficace (j'ai mis de moins en moins de temps au fur et à mesure)

- à sentir les implications physiques que suppose un travail de longues heures devant un chevalet (va falloir gérer et équilibrer sinon ouïlle ouïlle ouïlle)

- à voir la différence entre peindre confortablement en atelier et en extérieur (encore plus exténuant) puisque j'ai tenté mon dernier sujet sur ma terrasse (je ne me suis pas trop éloignée de l'atelier et suis restée dans le petit bain hihi)

- l'intérêt de cette pratique, en dehors des positionnements esthétiques de certains pratiquants avec lesquels je ne suis pas toujours d'accord... enfin tout dépend de l'objectif visé en fait. J'en reparlerai plus tard ;-)

- à ne pas attendre des lustres et trop réfléchir avant de tester une idée et la mettre sur un support. Et me rendre compte qu'ainsi on voit vite si ça fonctionne ou pas. Reste la question de savoir d'ailleurs si certaines méritent d'être encore approfondies ou pas.

- que j'adore la stimulation de créer à plusieurs en parallèle, l'ambiance atelier, échanger etc. C'est vraiment un moteur pour moi.

- je crois que j'ai compris un peu mieux ce que les impressionnistes ou d'autres pouvaient rechercher à travers le travail sur le motif.

- trouver l'alliance geste juste / outil (pinceau) adapté / couleur juste / bonne texture pour obtenir l'effet recherché

- que je n'aime pas trop le petit gris, ça n'est pas assez doux. Je préfère finalement soit la martre soit la soie de porc selon l'objectif. Et je me demande si je ne vais pas tester du synthétique pour voir la tenue sur la durée. Car une martre out après 3 pauvres peintures... glups mon portefeuille ne va pas pouvoir suivre longtemps

- que travailler par cession de plusieurs jours au lieu de le faire un peu par ci un peu par là est à la fois un vrai bonheur mais aussi très profitable pour avancer autant en terme de production, que de créativité et de progression technique. Pour toute pratique, la temporalité a son importance car on ne peux pas ressentir (sur le plan cognitif, sensitif etc.) autant à fond les choses, en profondeur en 1h qu'en 10h par exemple.

Comment j'ai travaillé :

Le matin je commençais par prendre connaissance du sujet. Je me laissais le temps d'y réfléchir, de laisser venir des embryons d'idées. Puis je préparais mon panneau avec la couche d'acrylique. Durant le séchage, je partais en quête des objets et prenait bien le temps de réfléchir à leur environnement etc. Et faisait leur mise en place. Le panneau ayant eu le temps de sécher, je le fixait sur ma planche au double face. Ensuite je faisait un ou plusieurs croquis pour valider la composition et me préparer à avoir un peu le format dans l’œil. Ensuite, nettoyage de la palette (j'adore faire ça en début de séance, c'est un rituel qui indique la descente dans le travail à mon esprit). Croquis au blanc dilué d'essence pour mettre en place la compo. Puis moment crucial pour moi : nuancier en main, choix stratégique des couleurs que je vais utiliser pour ce tableau (il m'arrive d'en rajouter mais rarement en fait). Et puis c'est parti pour la peinture ! Je commence par une ébauche des objets puis rapidement je fais une ébauche du fond, rarement définitive, mais cela me permet d'avoir l'ambiance générale, les valeurs. Sans cela j'ai l'impression de ne rien y voir. Et puis ensuite j'affine jusqu'à la fin. Je pense que je travaille plus dans l'esprit alla fresca (et encore) que dans l'esprit daily painting (pas comme Caroll Marine en tout cas).

Les limites rencontrées :

Étonnamment pas autant que ce que je craignais.

- Pas de possibilité de faire des glacis... ce qui est problématique pour certains détails etc.

- Des pinceaux qui semblent s'user très vite via cette pratique pourtant je suis très précautionneuse avec eux. Dès que les martres durcissent un peu c'est fichu, cela devient du labour.

- des mélanges qui sèchent et poissent très vite en extérieur (en tout cas par 30° et brise chaude)

- début de sciatique à la fin des 10 jours donc quelque chose est à revoir côté ergonomie. Rééquilibrage corporel presque indispensable. Je n'ai pas pris le temps... et voilà !

- je n'arrive pas à faire juste une pochade, à travailler vite et concis. A faire des touches enlevées et directes. Bref à faire des sortes de croquis peints. Pourtant dans certains cas de figure cela serait vraiment intéressant.

- je me sens limitée par le format. Travailler ces petits formats c'est agréable. Mais je ne suis pas sûre que j'arriverai à quelque chose comme ça sur plus grand format.

- le séchage m'a posé problème... si on les mets à plat ça prend de la place (et encore c'est petit), la poussière peut s'y incruster etc. Et debout... ça n'est pas évident non plus car cela prend plus de place. J'aimerai bien trouver une solution, un bricolage pour faire une sorte de séchoir...

- je n'arrive pas à faire des fondus assez uniformes pour les fonds. Cela vient peut-être de la taille de mes pinceaux qui sont trop petits.

- photographier les œuvres, une vrai difficulté, surtout ne pas se retrouver avec des couleurs trop éloignées.

Mon sentiment sur ce travail :

Une très belle aventure. Je ne me croyais absolument pas capable de faire 10 jours d'affilées à un tel rythme. Et bien si ! Je me suis surprise sur beaucoup beaucoup de choses et cela m'a vraiment donné une force et une confiance qui vont perdurer. Je me sens plus confiante, plus sûre de moi et plus aguerrie. J'ai l'impression que je connais mieux mes limites et surtout un processus de travail qui me va bien. J'ai beaucoup apprécié les échanges, la camaraderie qui s'est dégagée au cours de ce travail entre les participants. Une belle aventure humaine aussi. Pour moi c'est un défi réussi qui qui m'a servi de tremplin ! J'ai l'impression d'entrer dans une nouvelle dimension dans le travail et de pouvoir être plus sereine face à d'autres projets, notamment professionnels, d'autres défis aux sujets imposés ou pas. J'ai pu explorer des sujets que je n'aurais pas tenté sans cela. J'ai aussi pu préciser mon style, ma façon d'appréhender les choses et qui navigue entre style à l'ancienne et plus moderne selon comment les sujets me parlent. Découvrir aussi un aspect narratif parfois assez présent qui pourrait évoluer vers de l'illustration.

L'intérêt, pour moi de cette technique :

- tester rapidement des idées, des couleurs etc.

- s'exprimer de manière fluide et directe dans l'émotion du moment (la peinture ancienne prenant plus de temps on n'est pas sur la même échelle de temps, ni sur la même spontanéité émotionnelle)

- travailler hors atelier, sur le motif pour aller à la pêche aux lumières, ambiances, environnement différents... et faire du paysage. Et à travers cela explorer le monde qui nous entoure, rester proche du vivant.

- aiguiser son regard sur ce qui nous entoure, y puiser inspiration

Maintenant l'aventure continue ailleurs... alla fresca ou en technique ancienne.

Concours daily painting : prolongations

Un jour supplémentaire mais cette fois c'est bel et bien fini ! Sujet libre.

Paradoxalement c'est bien plus difficile de devoir choisir son sujet intégralement. Il m'a fallu plus de temps et d'essais pour trouver ce que j'allais peindre. Une seule chose était sûre pour moi, je voulais tenter d'aller en extérieur et partir à la chasse à la lumière.

J'ai donc corsé un peu les choses et cela n'a pas été aisé. J'ai peins sur ma terrasse par 30° avec une légère brise. Outre le fait de devoir boire souvent, la position debout, le matériel moins confortable, les mélanges qui séchaient assez vite et devenant poisseux à cause de la météo... bref tout cela m'a rendu la tâche plus difficile.  Sans compter la lumière qui a beaucoup changé. Un vrai casse-tête. Mais je ne regrette rien, c'était passionnant.

Concours daily painting : jour 10, fin

Et voilà c'est fini. Aujourd'hui était mon 10e jour de daily painting. Pari tenu !

Sujets au choix : objets du peintre / Profiteroles ou autre pâtisserie

Les profiteroles étant un peu compliqués à trouver ce matin, j'ai opté pour une religieuse au chocolat pour rester dans le même esprit.

Je dois dire que j'ai eu un mal fou avec ce sujet. Je n'arrivais pas à trouver une composition, quelque chose d'intéressant. Je n'arrivais pas non plus à trouver un fond qui me satisfasse mais je voulais garder un esprit camaïeu, pour tenter tout simplement. Et puis mon mari, que je remercie, m'a fait une suggestion qui n'a pas fonctionné, mais qui m'a donné l'idée de mixer les deux sujets.

J'ai énormément eu de mal à trouver à la fois les couleurs, la structure et la texture du chou. Mais j'ai fini par m'en approcher pas trop mal je crois. Et j'ai pris conscience grâce à cela que c'était à la fois une question de trouve la bonne couleur au bon endroit, le bon pinceau et le geste adéquat.

La fatigue mentale et oculaire se faisait pas mal sentir. Un peu de repos donc... bien mérité.

Concours daily painting : jour 9

Sujet : Légumes frais (plusieurs sortes) sur nappe ou torchon ou Conserves


J'ai choisi le premier. J'ai trouvé ma composition de manière très étonnante et amusante ! Je vous raconte :

J'ai eu beaucoup de mal au début à trouver à assembler les divers légumes en un tout cohérent. J'étais en train de chercher, d'hésiter entre oignons nouveaux, asperges etc. J'avais posé un fond gris-bleu sur ma chaise de travail, la petite casserole en laiton et le poivron dedans, ne sachant où les poser (mon atelier est petit). Tout d'un coup je me retourne... je regarde ma chaise... et je m'aperçoit tout étonnée que cela s'organise de manière très juste : le fond, la casserole et le poivron se mettaient mutuellement en valeur. Et voilà le point de départ et le point fort de ma composition ! Il ne me restait plus qu'à rajouter la courgette, le tissus et l'oignon pour étoffer un peu.

Daily painting : jour 8

Sujet du jour : poisson ou objet de bricolage

N'ayant pas le temps d'aller pêcher dans le canal du midi... j'ai choisi le second sujet. Un peu plus daily painting et rapide, brut, ce qui allait bien avec l'esprit bricolage je trouve.

Daily painting : jour 7

Sujet : au choix soit un cocktail et ses canapés, soit un sandwich

La supérette du coin n'ayant pas de nécessaire à cocktail... j'ai opté pour le sandwich. Ambiance Mac machin chose. Ça n'est pas forcément bon, mais il faut reconnaître que c'est visuellement assez intéressant, plus que le sandwich rosette. Enfin le débat reste ouvert !

J'ai eu beaucoup de mal côté inspiration pour ce sujet alors j'ai décidé de faire simple. Et une ambiance qui va avec le sujet ou ce que j'en pense. Un petit jeu avec les couleurs chaudes et froides. Et puis finalement l'inspiration, c'est comme l’appétit, ça vient en peignant ! Ce fut le cas aujourd'hui en tout cas.

Je vous présente le happy sandwich... (ambiance rétro à la happy days)